Diario dal Tchaikovsky: il Risveglio

Ore 9.18, The Courtyard Hotel, Mosca.

Mentre scopro il piacere di far colazione con salmone affumicato e musica vagamente trash vagamente Signore degli Anelli come sottofondo, riprendo in mano la Campana dello Zio Tom non senza emozione.

Sono passati due anni dal Diario dal Busoni e per due anni ho coltivato il sogno di girare per i più importanti concorsi pianistici del mondo come giornalista, tenendo i miei diari quotidiani e studiando la prossima generazione di grandi pianisti mentre muove i suoi primi passi nelle più grandi arene del globo. Due anni dopo, il Concorso Tchaikovsky mi ha invitato. Ancora non ci posso credere davvero.

Ma l’inaugurazione di lunedì deve fugare ogni dubbio: sono veramente qui, ero veramente in platea mentre Gergiev, Trifonov e ARIUNBAAR GANBATAAR (scusatemi, è un nome che si può scrivere solo in caps lock) aprivano il sedicesimo Concorso Tchaikovsky, a sessantuno anni dalla prima edizione. Del concerto non parlerò, ma non posso nascondere che l’emozione di esserci, di vedere con i miei occhi ciò che succedeva, di sentire il suono dell’Orchestra del Marinskij sul palco della Sala Grande del Conservatorio Tchaikovsky è roba da far tremare i polsi.

Ma viah, so benissimo perché qualcuno potrebbe decidere di leggersi una mia pagina di blog, andiamo al punto: la prima giornata di prove. Ieri, martedì, si è tenuta la prima turnata di concorrenti di questo Tchaikovsky. Si sono esibiti, in ordine, Ming Xie, Yuchong Wu, Ke Yi Yang, Konstantin Yemelyanov, Dmitri Shishkin, Tianxu An, Arseny Mun e Artem Yasynskyy. Preparatevi perché la gente è tanta e ha suonato tanto. Sarà una lunga Campana.

Partiamo col dire che, come si può aspettare da un concorso simile, il livello è stato veramente altissimo e il pubblico moscovita affollava entusiasta la Sala Grande applaudendo con generosità ogni concorrente in una vera festa della musica, come l’ha descritta una Ingrid Fliter incontrata per caso in platea: davvero uno spettacolo per gli occhi (la platea, non la Fliter. Cioè, anche la Fliter, ma qui mi sto riferendo alla platea).

Il cinese Xie, primo della giornata e apparentemente appena uscito dal suo ultimo shooting per Armani (almeno a guardare la sua foto sul libretto), ha fatto una buona prova, ben assolvendo all’ingrato compito di aprire le danze per tutti. Il suo approccio è caratterizzato da una grande leggerezza e una frizzante brillantezza che hanno reso l’op. 31 n. 3 di Beethoven una sonata veramente classica, tutta brio e giocosità. Bene anche il Preludio e Fuga, ben condotto e concluso anche se non sempre controllato il fraseggio, e non male Natha-Valse e Impromptu di Tchaikovsky, sebbene un suono diverso e un’eleganza più salotto e meno saloon sarebbe stata apprezzata. Ciò su cui il pianista ha però davvero brillato è stato lo Studio op. 25 n. 6 di Chopin, le temibili terze, che il pianista cinese ha affrontato con abilità che non esito a definire surreale: così agili e leggere erano le sue terze da dare l’impressione di un glissando. Probabilmente per la tensione, però, il pianista venticinquenne si è mangiato via molta della sua prova correndo come un pazzo. Questo è successo su Beethoven (con dei forsennati “attacca” tra tutti i tempi che non hanno premiato), su un confuso op. 39 n. 1 di Rachmaninov e su una Campanella piuttosto buttata. Sempre bello però il suono, con buona sintonia tra il pianista e il suo Fazioli.

Il secondo cinese del giorno è stato Yuchong Wu e, lo dico subito, la sua è stata la prova che più mi è piaciuta di tutta la giornata. E per una semplice ragione, disse Tommasi addentando il suo secondo muffin (voi non potete capire quanto sia buona la colazione qui, sto mangiando senza fermarmi da un’ora), il ventitreenne cinese è riuscito a trovare nel suo Yangtze River un suono diverso per ogni singolo compositore del programma. Il suo Preludio e Fuga (il Si minore dal secondo volume) ha goduto di un suono meno lucido e chiaro rispetto a Ming Xie, ma con molta più varietà timbrica ed espressiva. Con un suono più scuro e ruvido potrete ben immaginare come Beethoven abbia trovato la sua dimensione ideale. Wu ha suonato sempre la Sonata op. 31 n. 3, ma non sembrava nemmeno lo stesso brano, tanto coerente ed efficace era la sua interpretazione: ricca di dettagli, a tratti severa a tratti bonaria e scherzosa, mai esagerata, mai affrettata. Nel tenere il tempo con concentrazione il pianista ne ha di fatto esaltato l’elemento ritmico. Meno riuscito il cantabile del terzo tempo, con un legato un po’ goffo e non ben sostenuto dall’accompagnamento. Splendida La Leggierezza di Liszt, con suono diverso, espansivo ma non eccessivo, espressivo ma mai svenevole, tecnicamente elegantissimo. Bene anche l’op. 25 n. 6 di Chopin (ci saranno diversi doppioni in questa giornata), anche se le terze di Xie erano veramente insuperabili, ancora diverso il suono dell’op. 39 n. 9 di Rachmaninov, con buona presa del tasto e gran piglio, ottima la Polka di Tchaikovsky e meravigliosa l’atmosfera in cui ha immerso il Tema dal Tema e variazioni op. 19 n. 6.

Il successivo concorrente Ke Yang Yi, anche soprannominato “poliestere” dagli spettatori italiani a causa della improbabile camicia e della prevedibile sudata, ha staccato un’altra prova di buon livello, partendo da un Bach fresco e ben condotto, con vivacità e belle idee di registrazione. La 101 di Beethoven, scelta sempre coraggiosa ad un concorso, è stata realizzata con grazia e incredibile morbidezza, ma devo essere sincero che molto spesso un maggiore appoggio, una maggiore definizione mi sarebbero serviti, soprattutto nel secondo movimento. Tutto nel pianismo di Yang Yi è apollineo, paradisiaco, leggero, elegante, con splendido controllo timbrico e dinamico, ma sacrificando un po’ i contrasti e la profondità di sguardo che anima, per esempio, il terzo movimento. Stesso discorso per Notturno op. 10 n. 1 e Dumka di Tchaik, in cui sarebbe servito un altro suono e soprattutto un altro bilanciamento dei bassi del suo Yamaha. Sull’op. 10 n. 7 di Chopin il pianista ha trovato una dimensione più consona al suo suono, ma la fretta ha reso poco chiaro lo studio. Solo con l’op. 39 n. 3 di Rachmaninov e il decimo Trascendentale di Liszt l’angelico poliestere è riuscito a calarsi nel regno dei mortali e regalarci alcuni climax di solida e intensa musicalità.

A seguire il pianista ventenne, è stato il russo Konstantiv Yemelyanov, accolto fin dalla sua entrata da una trionfale ovazione (non a caso, a Mosca costui ci studia). Yemelyanov ha suonato sullo stesso pianoforte di Yang Yi, ma ha dimostrato quanta varietà sonora si possa tirar fuori da quello Yamaha. Il suo Bach (Do diesis minore dal secondo volume) è partito con carattere ponderoso e ottima polifonia, per poi passare ad una fuga energica ma severa, un po’ improvvisa solo nel finale. Bene Haydn, con splendido suono, tono sobrio e al contempo vivace, splendidi ribattuti e gran cura delle sonorità. Non avrebbe guastato, tuttavia, un po’ più di varietà e giocosità, soprattutto nel dialogo tra le due mani e nel passaggio da un movimento all’altro. Ma dove il pianista ha veramente dato il meglio è stato sulla combo Tchaik-Chop-Rac-Liszt. Ancora un po’ spento nella Romanza op. 5, il pianista ha tirato fuori una vivacità timbrica e di carattere che dalla Danza caratteristica op. 72 al Notturno op. 19 n. 2 ha portato fino ad uno dei più incredibili Studi op. 10 n. 2 che io abbia sentito (e il pubblico ha risposto con un’ovazione alla delicatezza dei fraseggi della sua mano sinistra), un incredibile op. 39 n. 6 di Rachmaninov (con quale affanno e tensione, superbo!) e soprattutto una Campanella di Liszt (e due) ricca di nuances, chiara ed elegante.

Primo della sera invece è stato Dmitry Shishkin. Celebre ai più per le sue partecipazioni a molti concorsi internazionali (fra cui lo stesso Tchaikovsky di quattro anni fa), il nostro Shish ci ha dato un notevole saggio delle sue qualità pianistiche, ossia nobilità, eleganza, un suono limpido e luminoso. Se poi vi aggiungiamo la figura alta e slanciata non possiamo che paragonare il pianista ad un lampione econ il suo corrispettivo lucente, Shish condivide ahimè anche l’espressività. È pur vero che il suo Bach (Sol maggiore, primo libro) è stato staccato con tempi rapidi e perfettamente tenuti, ma fin dalla Fuga si è percepito quello che è a mio avviso il più grande problema del pianista: ogni tanto macina note senza veramente pensare a ciò che sta facendo. La cosa è diventata più che lampante (pun intended) sulla Waldstein, in cui le agili volate e le contorte scalette ogni tanto perdevano qualsiasi intento espressivo, qualsiasi direzionalità, per diventare veramente solo note eseguite molto velocemente con abbastanza definizione ma comunque in modo confuso, perché non si capisce dove vogliano andare a parare. In Beethoven a mancarmi nel limpido pianista (Mastrolindo lo si era soprannominato al Busoni di diversi anni fa) è stato proprio il senso, una ricerca di espressività, che può pure essere sacrale, o misteriosa, o essenziale, ma che vi sia insomma. Sullo Scherzo à la Russe di Tchaik il discorso è affine, Shish cambia attacco del tasto, ma il suo suono non ottiene più profondità e non v’è traccia né di slancio appassionato e danzante né di quell’atmosfera da coro russo che caratterizza la parte centrale.

Meglio l’op. 10 n. 4 di Chopin, impressionante per controllo e definizione, meno bene Rachmaninov (un op. 39 n. 8 senza quasi nessuna concessione all’agogica) ma fantastica La Campanella (e tre), che del luminoso suono del nostro Shish ha fatto un punto di forza, insieme alla impressionante resa digitale e a una più nitida chiarezza di fraseggio. Ma per interesse timbrico, raffinatezza e fraseggio, devo ammetterlo: meglio Yemelyanov. Comunque il pubblico è andato in delirio, quindi chissà.

Il candidato successivo, Tianxu An, è stato quello che ha ahimè più sofferto la tensione da Concorso Tchaikovsky. Il ventenne cinese ha attaccato il suo Bach con suono teso e rigido, migliorando nella fuga in chiarezza della polifonia e dell’impulso ritmico, ma andando via via irrigidendosi sull’op. 10 n. 10 di Chopin e sull’op. 39 n. 6 di Rac (con delle sferzate ai bassi da vero karateka che gli son valse il soprannome di Quinto Dan [Dan sta per Dannazione, afferma Antonella D’Orio]). Simile il discorso sullo Scherzo Fantasia op. 72 n. 1′ di Tchaik, di cui devo essere sincero non ho capito molto, e meglio l’Appassionata, per quanto esagerato e manieristico su alcuni dettagli di fraseggio e sempre ahimè piuttosto rigido. Peccato perché il pianista ha suono e ogni tanto riesce a rendere davvero incandescente il suo Yangtze River. A chiudere il programma una Wilde Jagd lisztiana affrontata con la placida furia di una tempesta silenziosa. Così vuole la via del karateka.

Foto by D’Orio

Dopo il nostro Quinto Dan è stata la volta di Arseny Mun, altro russo accolto con grande fragore dal pubblico, che ha iniziato con un ottimo Bach, superato qualche nervosismo iniziale sul Preludio (oh ma iniziano tutti con Bach? Son pazzi?), dal suono definito e i bei cambi di registro, subinatei ma non eccessivi. Eccessiva era invece la successiva Appassionata (e due), ricca di spunti e slanci appassionati, ma veramente letta con il gusto tardo romantico di un Rachmaninov. Ho apprezzato alcuni pedali, più nettamente beethoveniani rispetto a quelli di Shish, così come alcune intemperanze che nascevano da un’idea espressiva di un ventenne appassionato, ma ogni tanto la mole di suono e il suono schiacciato rendevano veramente pesante la già di per sé complessa Sonata. Non male la coda della Sonata, indubbiamente un Beethoven/Rachmaninov di trascinante energia drammatica. Bello anche lo studio op. 10 n. 1 di Chopin/Rachmaninov, anch’esso eseguito con spolvero tecnico alla destra (ma in realtà comprendosi alcuni passaggi furbescamente con una sinistra da vero carro armato). Sorprendente poi come arrivato su Rachmaninov abbia improvvisamente tirato il freno a mano del suo panzer, mancando di chiarezza fino alla ripresa dell’op. 39 n. 3, questa sì perfettamente raggiunta e condotta alla fine. Sulla Campanella di Liszt (e tre) il discorso è fondamentalmente lo stesso: bel carattere ma spesso eccessivo negli effetti, non al livello dell’elfica Campanella di Yemelyanov e di quella shintillante di Shish. Dove il giovane russo ha dato il meglio, però, è stata la Dumka, affrontata con vera ricchezza di timbri e comprensione del valore epico, nostalgico e improvvisamente lanciato ed appassionato, sapendo trarre sempre il giusto suono dal suo Yamaha.

Ha chiuso la prima giornata di prove Artem Yasynskyyy, che ci ha regalato forse il miglior Bach di tutta la giornata. Partito con un suono un po’ stridulo, forse per il nervosismo, il pianista ucraino si è ben presto ripreso, riuscendo a non essere eccessivo sul ritmo puntato del suo Sol minore (secondo volume), con sobrietà ma senza fermare troppo il discorso. Ottima la fuga, con cura timbrica spettacolare nei controsoggetti e nei divertimenti, mantenendo sempre limpida la polifonia e nitido ma non brillante il suono del suo Steinway e chiudendo con i giusti tempi musicali. Molto bene Beethoven (indovinate: l’Appassionata!), con morigerati ma ben condotti scarti timbrici, carattere appassionato mai eccessivo, tenicamente disinvolto e ricco di dettagli musicali, anche se a volte non costante nel seguirli (ad esempio in alcuni accenti e sforzati). Buono il II tempo, nonostante il tema partito aggressivo, e soprattutto buono l’ultimo movimento, con un ritmo chiaro e ben tenuto che ha esaltato il carattere da moto perpetuo di questo finale. Ottima la coda, finalmente non corsa a perdifiato ma tenuta sempre sotto controllo (a volte anche troppo, ma l’ha portata a compimento splendidamente). Bene anche Tchaikovsky, anche se rimpiangevo il suono di Wu, con ottimi timbri e splendida pedalizzazione. Ottimo l’op. 10 n. 1 di Chopin, ben altra cosa per chiarezza della destra e fraseggio della sinistra rispetto a quello di Mun, fino ad arrivare all’op. 39 n. 6 di Rac con finalemnte un altro suono e interessanti idee drammatiche e timbriche, anche se il trascinante affanno di Yemelyanov non l’ho più risentito. A concludere con un po’ di stanchezza ma tenendo ben botta, un Paganini/Liszt che, incredibile ma vero, NON era la Campanella bensì il Sesto in la minore, affrontato con chiarezza e piglio davvero violinistico.

Ecco! Questo è quanto per la mia prima, lunghissima Campana! Forse ora è tempo di chiuderla perché mi son tirato così tardi da starla finendo niente meno che in Sala Grande del Tchaikovsky stesso. Forse è il caso di sentirmi Gugnin che ci spara!

Cremona Musica 2017: Un ultimo saluto ad Ivry Gitlis e riflessioni finali

Cremona Musica è finita, viva Cremona Musica!

Dopo tre giorni di tirata, scrivo questa Campana comodamente sdraiato sul mio copriletto arancione, con lo spirito gonfio di pensieri e il portafoglio sgonfio di denari.

Cremona Musica è d’altronde anche il permettersi qualche acquisto, saltellando tra uno stand e l’altro del reparto Edizioni Musicali, per tornare a Padova con nuovi libri e nuovi CD (e proseguire con la mia descoverta della musica contemporanea finlandese [dio, quanto è hipster questa cosa, mi è appena cresciuta di cinque centimetri la barba per reazione]). Esa-Pekka Salonen, è tutta colpa tua. Ma in ogni caso, la Fiera si è conclusa e se i miei piedi rigraziano, parte di me vorrebbe cibarsi di quell’aria ancora a lungo.

Perche è vero che il rumore è assordante, è vero che c’è calca (ma per chi è abituato alle dense masse di Lucca, si naviga che è un piacere), è vero che non sai mai dove sederti e finisci sempre sul prato fra i due padiglioni, però quanto si impara, quanto si pensa a Cremona!

Basti pensare alle riflessioni generate da Ivry Gitlis, che ieri ho potuto osservare per qualche minuto dar lezione a giovani violinisti (e avrei voluto assistervi per altre ore). Gitlis è stata la vera e propria star di Cremona Musica, non solo per la sua incredibile fama, ma per la sua capacità di pervadere ogni spazio (e tutti  i miei titoli) con la sua presenza ed il suo sguardo. Non puoi ignorarlo nemmeno se ci provi, questo è il suo carisma. E il suo messaggio di abbandono di ogni pretesa logica e razionale, quando ci si avvicina alla musica, ha per me trovato ulteriore carburante nella conferenza di Stuart Isacoff dedicata ai temperamenti, dimostrazione di come ogni idea di perfezione razionale venga a mancare persino nella struttura basilare della musica, cui inutilmente i secoli hanno cercato di inculcare logiche perfette persino nella distribuzione delle note.

Ma è finalmente giunto il momento di narrare brevemente della Media Lounge (nell’immagine in evidenza, una foto), per me una delle esperienza più interessanti. Quest’anno sono infatti stato invitato a far parte del gruppo di giornalisti, editori, responsabili di media vari (dalla radio alla televisione, da facebook ai blog) provenienti letteralmente dal mondo intero. Va da sè che già questo per un ragazzo di ventiquattro anni ancora studente porta un carico di interesse notevole. Attraverso le presentazioni e le brevi riflessioni dei partecipanti si è sviluppata una sorta di riflessione comune, cui ognuno portava un apporto, a volte anche critico nei confronti di chi era intervenuto prefedentemente.

La tematica principale di questa riflessione lunga tre giorni è legata alla diffusione della musica classica, argomento di cui bisogna più che mai parlare in questo preciso momento.

Parto subito con un’affermazione: non si può rendere pop la musica classica. La ragione è semplice, sono musiche nate con scopi, idee, approcci e pubblici diversi. Come si diceva anche il primo giorno: non puoi spiaccicare un concerto classico su Facebook e sperare di attrarre così nuovo pubblico, perché il format è semplicemente diverso. Al contempo, tuttavia, è necessario a mio avviso introdurre la musica classica nelle vite di chi non la conosce, di chi si barrica dietro il classico “non la capisco”, ma anche di chi, semplicemente, è curioso ma non dà seguito a questa curiosità. E questo non solo perché una buona partecipazione di pubblico è fondamentale per la sopravvivenza della nostra amata musica, ma anche perché l’esperienza musicale aiuta a crearsi uno spazio per sé nel rumoroso mondo moderno. Capire l’importanza vitale che può avere la musica (e la  classica soprattutto), tuttavia, va di pari passo col comprendere la natura profondamente diversa di chi bisogna coinvolgere. Siamo una società veloce come mai prima (anche se ogni secolo diceva la stessa cosa di quello precedente), pervasa dalla condivisione e soprattutto dall’interazione. La necessità di interazione è una delle grandi barriere della musica classica. Pensateci, ad un concerto pop o rock si ascolta, si balla, si beve birra, ci si prova con le ragazze, insomma ogni sano rito sociale.

Ed è giustissimo così!

Di fronte a questa affermazione molti potrebbero inorridire: “Ma quindi dobbiamo abbandonare il contenuto spirituale della musica e tornare alle tradizioni passate in cui si mangiava e si commerciava durante le opere?”. Normale pensarlo e normale chiudersi al nuovo, nel timore di questo rischio. Ma qui subentra ciò che ho affermato sopra: non si può rendere pop il concerto classico. È giusto puntare sulla diversità di ciò che offre il format, sull’arricchimento che ti dà un’esperienza artistica. Ma al contempo: chi ha mai affermato che il caro vecchio concerto classico debba venire soppiantato da formule pop?

Osservare, studiare e riflettere su meccanismi di marketing, evoluzioni sociali e logiche di mercato è fondamentale, così come capire cosa può applicarsi e cosa invece deve rimanere confinato ad altro. Esattamente come quando si progetta una campagna pubblicitaria sui social rispetto a quando lo si fa sui media tradizionali. Ed anche capire che la musica (tutta la musica) si fruisce su molti livelli diversi, da quello più a quello meno tecnico, che ha il suo notevole peso. È così per tutta l’arte, no? Non sono pittore e non sono storico dell’arte, eppure posso rimanere a contemplare un dipinto godendomi appieno un’esperienza artistica.

Il discorso è lungo e articolato e tira in ballo diverse professionalità, quindi anche il tradizionale pudore nei confronti dell’idea del denaro. Dopotutto, se facciamo questo lavoro, è perché ci muove una forte passione, eppure che c’è di sbagliato a pensare di guadagnarci una vita dignitosa? E chi organizza un teatro, un festival, chi ha una rivista in mano, non è forse (nei suoi limiti) un imprenditore culturale? Nel momento in cui il sostegno pubblico viene ridotto è fondamentale capirlo. Al contempo bisogna trovare l’equilibrio che permetta di raggiugere nuovi pubblici (che siano giovani, adulti, anziani o [nessuno ci pensa mai?] stranieri) senza tradire l’arte di cui ci facciamo strumento. Non solo per un discorso etico, ma anche perché le bugie hanno le gambe corte e spiaccicare format inefficaci per il solo gusto di dire “l’ho fatto”, è una mossa assai poco lungimirante. Come lo è puntare solo alla tradizione consolidata e che renda felici le innumerevoli Vecchie col Sacchetto® che popolano le sale concertistiche, senza preoccuparsi di costruire percorsi che facciano maturare l’aspettatore e lo coinvolgano in un’esperienza artistica reale, non accontendandosi dell’offrire semplice intrattenimento (e persino una gloriosa Sinfonia di Beethoven può diventarlo).

Parafrasando Tohru Sase, l’arguto direttore della rivista giapponese Sarasate, bisogna avere il coraggio di sapere che il mercato, a volte, te lo crei tu stesso. E, aggiungo io, bisogna capire come solleticare l’interesse del pubblico, guidarlo per mano nel nostro complesso mondo (avete mai provato ad immaginare quanto sia imbarazzante per uno spettatore non sapere quando applaudire?), capire quanto ci sia veramente utile ragionare sulle categorie (cosa significa musica classica, musica d’arte, musica colta? Come lo spiego?). E come dicevo più sopra, ricordarsi che la musica si fruisce a più livelli. Non ha senso pensare che tutto debbano fare divulgazione o creare format di introduzione, anzi è importante che chi vuole approfondire e specializzarsi si coordini con chi introduce e divulga, per creare quel percorso così prezioso che permetta alla musica classica di radicarsi nell’animo di sempre più persone.

Cremona Musica 2017: Ivry Gitlis e l’assenza del giudizio

Scrivo questa seconda pagina di diario dalla Media Lounge, dopo l’ultima riunione (tranquilli, arriverò anche a questo), immerso nel chaos dei padiglioni cremonesi, tra violinisti che si dilettano a provare i loro concerti preferiti (un altro Sibelius? Ancora?) e concerti di improbabili chitarristi autocompiaciuti.

Molte idee frullano in testa, ma ancora occupano un posto preminente le impressioni del secondo giorno. Quella di ieri è stata soprattutto una giornata di musica. Molti gli appuntamenti musicali che ci hanno permesso di sentire dei frammenti dell’arte di musicisti tra i più interessanti, nonostante l’ambiente “between a chemical factory and a psychiatric asylum” (cit. Itamar Golan prima del suo concerto). È stata l’occasione anche di intervistare l’interessantissimo pianista italiano (e mio concittadino) Enrico Pompili e la nota Valentina Lisitsa, famosa per aver saputo imbrigliare con arguzia e coraggio il pubblico di YouTube con video interamente dedicati al repertorio pianistico.

Ma ogni giorno di Cremona Musica 2017 porta con sè un po’ di Ivry Gitlis e ieri abbiamo avuto l’onore di vederlo premiato per la categoria Esecutore (insieme ai Corsi di Santa Cecilia per la categoria Progetto, a Stuart Isakoff per la categoria comunicazione e a Giovanni Sollima per la categoria Compositore). E in occasione di questa premiazione, oltre che poterlo sentir suonare ancora una volta, abbiamo potuto ascoltarlo parlare, con un tono più allegro e brillante rispetto alla mia intervista (forse, da buon istrione quale è, anche per la presenza del pubblico), ma complementare e incredibilmente coerente.

Di Gitlis si può dire che sia uno spirito naturale, intessuto di vita e con radici tanto nel terreno, quanto nell’aria. I suoi discorsi partono sempre da punti di vista unici e forti, che rifiutano il ricorso a delle categorie prestabilite. È una lotta, quella di questo anziano uomo che parla con lo sguardo, che smantella ogni sovrastruttura costruita da secoli di riflessioni (e comportamenti inconsapevoli). Come definire il concetto di giusto o sbagliato in musica? E soprattutto, è giusto applicarvi questi concetti? Ha senso definirli? Quanti giovani interpreti perdono le ore per raggiungere una maestria tecnica che non consiste nell’acquisire nuove potenzialità espressive, ma in una riproduzione asetticamente perfetta? Eppure questa è una necessità della contemporaneità, influenzata dal difficile ruolo dei concorsi e dalla ricerca della perfezione da parte delle case discografiche. Con sorprendente coincidenza, questo discorso è emerso anche durante l’interessante intervista con Valentina Lisitsa, che a questa domanda ha trovato una risposta. È davvero importante sentirsi “giusti” quando si suona? Non ho ancora una risposta, ma sono lieto che il compito di un critico musicale possa anche esprimersi in questi interrogativi. Anche perché il tema del giudizio è quanto mai complesso. Non è forse un’opinione già una forma di giudizio? E non è compito di un critico musicale anche l’esprimere le proprie opinioni e farsi garante di onestà e qualità?


Ma i discorsi di Gitlis riguardano un po’ tutta la vita. Quanto ci giudichiamo con severità? Quanto ci imponiamo regole estranee? Eppure alcune di queste regole sono importanti per il vivere comune. Quale dunque l’equilibrio o, come mi ha insegnato un concerto di Esa-Pekka Salonen, quale il nuovo sentiero?

Questi dubbi pervasivi si sedimentano anche nel campo dell’affettività, che Gitlis denuncia allontanarsi costantemente a causa di un sistema educativo che sembra non prevedere l’umanità. È una filosofia dell’amore, quella di Gitlis, che non si può banalizzare come una qualche stramberia new age o distorta rievocazione hippy. È un interrogativo serio: quale lo spazio per l’affetto e l’amore in un mondo che sembra sapere tutto della sua scienza, ma fatica a raggiugerlo nella sua sostanza più densa?

Tutti i discorsi fatti su questo argomento con Sofia sembrano qui trovare un ulteriore spunto, ma anche la conferma che questo desiderio di capire se si possa vivere con le regole di questo mondo, ma guardandolo in un altro modo, è una reale questione sulla quale interrogarsi.

Cremona Musica 2017: Ivry Gitlis e la forza del racconto

Dopo aver tenuto un diario di carattere tecnico come quello dal Busoni, dare lo spazio ad un diario dal carattere più narrativo e descrittivo non è semplice.

Ma qui siamo, a raccontare questo primo giorno di Cremona Musica 2017, negli ultimi momento di svacco in stanza, prima di rigettarsi nella mischia.

Le prime impressioni di Cremona Musica sono complesse: innanzitutto ti fanno male le orecchie. Immaginatevi tre padiglioni ampi, interamente riempiti di strumenti, gente e gente che suona gli strumenti. Contemporaneamente. Il premio lo vince comunque lo stand dedicato agli attrezzi di liuteria, con dimostrazione pratica di trapani su ciocchi di legno e timpani di passanti.

La seconda impressione è la sensazione di spaesamento. Cremona Musica è un po’ una Lucca Comics della musica classica ma senza i cosplayer (anche se i musicisti sono creature già sottratte al tempo di loro). Nonostante non sia sicuramente enorme come la fiera fumettistica lucchese, per un musicista è il paese dei balocchi: oltre agli strumenti si tengono appuntamenti costanti nei vari spazi, da concerti a lezioni, da workshop a presentazioni.


La terza impressione che arriva da Cremona Musica, infine, riguarda le persone. Intendo le persone che conosci in quest’occasione, di cui conosci le idee, i racconti e gli aneddoti, come Sandro Cappelletto e Leonard Bernstein, o le riflessioni sulla critica musicale con Gianluca Iavarone e Federico Capitoni o, per arrivare al titolo, il poter intervistare (anche se non è proprio il termine adatto) Ivry Gitlis. Non di una vera e propria intervista si è trattato, ma di una conversazione, che più che sulla musica, si è incentrata su tematiche interiori, come la solitudine, il rumore, i rapporti umani, anche traslati allo strumento, con il suo rifiuto di ogni etichetta e termine vuoto (“stile? cos’è lo stile? esiste?” o anche “approccio, io non ho bisogno di nessun approccio con il violino, non significa nulla”), questione che mi ha spiazzato, così abituato ad un diverso modo di vedere. Ma anche momenti buffi (“Alessandro, you look so much like a young man from the Romantic era” o anche “How old are you?” “24!” “Poor you!”) e occasioni di guardare negli occhi un uomo che nella vita ha visto tanto con uno sguardo veramente unico. L’intervista ad Ivry Gitlis uscirà fra qualche giorno su Amadeus online, e spero sinceramente di riuscire a rendere anche solo la metà di quanto ha comunicato.

Molti altri i momenti interessanti della giornata, come assistere alle masterclass dei docenti di Santa Cecilia completamente gratis, le riunioni della Media Lounge (di cui scriverò più avanti), le presentazioni di libri, festival, pianoforti che cambiano temperamento durante l’esecuzione…

Insomma, Cremona Musica è sempre un grande buffet, in cui venir trascinati per tre intensi giorni.

Diario dal Busoni: Fine del viaggio

Con la serata di ieri, 1 settembre, si è conclusa questa sessantunesima edizione del Concorso Pianistico Internazionale/Internationaler Klavierwettbewerb/International Piano Competition Ferruccio Busoni, Membro della Fédération Mondiale des Concours Internationaux de Musique, Membro della Alink-Argerich Foundation, Primo del Suo Nome, Padre di Carriere, Sfornatore di talenti (titoli che manco Daenerys Targaryen).

La Finalissima ha visto, come quasi tutti voi lettori saprete, la vittoria del croato Ivan Krpan, cui è stato dato il Primo premio. Come potrete sicuramente immaginare viste le mie precenti pagine, non mi trovo concorde in questa decisione. Ma vediamo le cose con calma.

Della prova di ieri sera, Ivan è stato sicuramente il migliore. Anna Geniushene ha purtroppo accusato pesantemente la stanchezza, offrendo una prova decisamente sottotono rispetto alle precedenti. Il suono era sempre bello e preciso, ma poco appoggiato e la stanchezza la portava a tirarsi indietro quando poteva essere più lanciata. Timbricamente interessante e dalla musicalità indubbia, la pianista russa ha eseguito un Imperatore di Beethoven con un piglio severo che non m’è dispiaciuto, ma che sarebbe stato meglio se associato anche ad una maggiore energia e libertà nei momenti gagliardi, oltre ad una maggiore pulizia tecnica e un migliore controllo delle dinamiche, nonché di legato. Con lo scrupolo e l’attenzione che la contraddistinguono, tuttavia, la sua prova è stata quella migliore per insieme con l’orchestra e dei tre è stata l’unica ad aver veramente dialogato con gli strumenti ed essersi adattata all’orchestra (e su questo ne parlerò più sotto). Terzo posto per lei (ma altri due premi speciali vinti, quindi la sentiremo di nuovo).

Più convincente la prova di Jaeyeon (sì, chiunque lo senta in streaming non concorderà, ma vi assicuro che la differenza sonora cambia tantissimo la capacità di coinvolgimento del pubblico), che non a caso ha anche vinto il Premio del Pubblico quella sera (probabilmente anche grazie alla splendida prova cameristica di due giorni prima). Il suo Quarto di Beethoven è stato il più dei tre concerti, nonostante una brutta tendenza a correre e ad essere troppo instabile di metronomo, sintomo di un’agitazione parecchio invadente. Molto bello il suono, tecnicamente più preciso di Anna (ma più evidenti gli errori fatti) e musicalmente interessante, soprattutto nelle cadenze del primo movimento. È stato l’unico della serata a raggiungermi espressivamente, ma ha avuto dei grossi problemi a relazionarsi con l’orchestra, sia per l’instabilità agogica, sia per la fretta nei dialoghi, che non dava i dovuti respiri nemmeno nel secondo movimento. Il terzo tempo è stato poi ben realizzato, ma la stanchezza (e il mal di schiena atroce) si è fatta sentire ed è mancata quel carattere spigliato e divertente così tipico del Rondò. Secondo posto per Jaeyeon.

Giungiamo infine al nostro Premio Busoni: Ivan Krpan. Che dire, il suo Quinto di Beethoven è stato il concerto più convincente ieri sera. Il suo suono riempie senza problemi il secco Teatro Comunale e si è distinto bene rispetto all’Orchestra Haydn. È stato quello che meglio ha retto tecnicamente, mostrando anche la forza di tirare dritto con determinazione dopo due quasi-vuoti che avrebbero fatto panicare chiunque. Tecnicamente brillante, buono il carattere, determinato il pianista, tutto molto bene insomma, dunque perché non condivido con il Primo premio? Molto semplice, non c’era molto altro in quell’Imperatore. Non c’era un interessante respiro musicale, ma soprattutto non c’erano cura per i dettagli e ricerca timbrica. Si potrà argomentare sul fatto che il ragazzo ha vent’anni, ma è un’argomentazione molto debole. In un’intervista che ho fatto a Mari Kodama (e che vedrete su Amadeus Online tra qualche giorno), lei giustamente ha messo in risalto la necessità di avere un Primo premio che sia già maturo e pronto per intraprendere le tournée che sono parte del Premio. Ebbene, Ivan Krpan secondo me non ha quella maturità. Tecnicamente, ad esempio, deve ancora risolvere un grande problema, ossia la tendenza a bloccare e irrigidire il polso ogni volta che tenta di andare oltre il forte, con conseguente suono metallico e pestato veramente fastidioso. Osservando le prove precedenti inoltre, non ho mai avuto la sensazione di trovarmi di fronte ad un artista unico.

Certo, la sua Semifinale è stata solida e convincente, ma la sua Finale solistica è stata affossata da una Seconda di Chopin pestata e con vuoti di memoria molto pesanti, la sua Finale cameristica è stata vissuta all’insegna della noncuranza nei confronti del Quartetto e questa Finalissima lo ha visto così indifferente all’orchestra, da coprire i soli dei legni nel primo movimento, per far risaltare un elemento di accompagnamento nel pianoforte assolutamente secondario. Certo, il pianista ha suono, ha un enorme talento tecnico e ha determinazione, ma gli manca ancora la cura del dettaglio e sembra non concepire con chiarezza il concetto di “poesia” da contrapporre al carattere più fiero che gli riesce meglio. Non mi si tiri in ballo il discorso degli anni, Julius Asal ha esattamente la stessa età e ha mostrato quanto si possa essere musicalmente maturi a vent’anni (non parliamo mica di quindicenni). Quindi devo ammettere di non condividere questa scelta, ma mi tiro anche indietro: la giuria ha le sue motivazioni.Prima fra tutte è il fatto che Krpan abbia una brillante carriera dinanzi a sé, una caratteristica che sicuramente farà onore al Concorso Busoni un giorno. Il discorso del suono è poi veramente più importante di quanto non gli si dia credito. Essere capaci di sfoggiare un suono convincente che possa riempire e adattarsi a qualsiasi sala, sia essa piccola o enorme, è una necessità fondamentale per un pianista che si appresti a fare dei tour nei prossimi anni lo porteranno in Europa, America e Asia. Il mio parere inoltre, come quello di molti altri pianisti e appassionati che seguono in streaming e dal vivo l’importante concorso, è tendenzialmente viziato dal gusto personale: io adoro i musicisti che mostrano di avere una ricerca musicale, timbrica e sonora propria. Non sempre però questa è la caratteristica che apre le porte del successo e, per citare Daniele Spini ieri sera al rinfresco post concorso, suonare la 111 di Beethoven in una sala da musica da camera e bucare la Filarmonia di Berlino con il Primo di Tchaikovsky è cosa assai diversa.

Come accennavo sopra, una menzione negativa va infine all’Orchestra Haydn diretta da Arvo Volmer, che ha faticato a seguire i solisti e a metterli a loro agio, contribuendo a render loro la vita complessa. Nell’orchestra stessa si salvano gli archi, compatti e sufficientemente precisi (anche se un po’ lentini ogni tanto), ma i fiati hanno avuto dei problemi di intonazione pesantissimi (i due oboi nell’Adagio dell’Imperatore avevano la grazia di un clacson in tangenziale), oltre a fastidiose difficoltà di insieme (i corni erano assolutamente incapaci di andare a tempo). Insomma, come ogni anno, l’Orchestra Haydn, che pure riserva degli ottimi concerti in stagione, dà quasi il peggio di sé al Busoni (eccetto quello splendido Secondo di Bartók con Alberto Ferro due anni fa): veramente un peccato!

E così dunque si conclude il Concorso Busoni e con esso questo mio diario personale. Come ogni anno mi sono trovato d’accordo e in disaccordo con la giuria, come ogni anno ho scoperto fantastici artisti (Anna Geniushene, Jaeyeon Won, Julius Asal, Eunseong Kim [Dio Pessshto redento!]) e ho visto la conferma di altri (il caso di Leonora Armellini basta per mille), e come ogni anno ho avuto l’opportunità di conoscere persone fantastiche, stringere amicizie e, per la prima volta, vivere questo concorso con la vicinanza della vivace e ironica Sofia (senza il cui supporto ammetto avrei fatto assai più fatica a fare tutto). Ma è stata anche l’occasione di mettermi in discussione e far nascere diverse riflessioni. A tal proposito vi invito a tenere d’occhio il sito di Amadeus, fra una settimana o giù di lì, perché nell’intervista alla Presidentessa di Giuria Mari Kodama potrete trovare numerosi spunti e, forse, le risposte ad alcune domande che vi starete ponendo. Io vi ringrazio per avermi seguito in così tanti (non me lo aspettavo davvero) e ci rivedremo con le mie future pagine di blog, coi miei prossimi articoli e con un nuovo Diario dal Busoni!

Diario dal Busoni: Los Tres Pianisteros

Sì, quello del titolo è un chiaro omaggio alla mia infanzia e al meraviglioso Los Tres Caballeros della Disney, guardato tante volte da consumare la cassetta. Ma è anche un modo un po’ leggero per riferirmi ai nostri tre finalistissimi, i tre pianisti assurti all’empireo del Concorso Busoni.

Ma, come sempre, prima di osservare i risultati delle Finali cameristiche, andiamo a vedere come sono andate le esecuzioni di ieri sera!

La prima ad esibirsi è stata la russa Anna Geniushene, l’unica che ho potuto finalmente ascoltarmi dalla platea. La tecnologica pianista, regina della previdenza, non sapendo cosa aspettarsi come voltapagine e non volendo portarsi dietro troppi chili di parti, se l’è cavata con un iPad con annesso pedale per voltate (che per inciso le ho visto utilizzare poco fa anche in prova con l’Orchestra Haydn su Beethoven [ops, spoiler!]). Dei sei pianisti mi sento di dire che sia stata quella più attenta e che più ha dialogato con il Quartetto di Cremona, ipotesi presente nei miei appunti che è stata poi in seguito confermata. Il suo Schumann ha avuto le caratteristiche già osservate nella Semifinale solistica (nella quale ha eseguito i Phantasiestücke op. 111), dimostrazione di una maturità espressiva e stilistica che non prevede scelte casuali. Rispetto alla prova solistica era però meno lanciata l’esecuzione, con conseguente anche ammorbidimento del suono, minore aggressività e maggiore attenzione ai dialoghi, ma al prezzo di quello slancio schumanniano e quell’energia che è emersa con maggiore chiarezza forse solo nel terzo movimento e in alcuni momenti del quarto. Molto ben condotto tutto, tecnicamente solido come ‘na roccia, musicalmente raffinato, il suo Quintetto di Schumann sembrava calibrato alla perfezione con gli archi, con una chiarezza della tessitura veramente ottima (anche raggiunta grazie ad un oculato uso del pedale di risonanza).

A confermare la positività della serata, la prova del coreano JaeYeon Won, amorevolmente detto “facciotta” per il suo volto incredibilmente bonario, è stata una vera rivelazione. Certo, avevo già fatto notare l’originalità della sua personalità artistica nella Sonata n. 7 di Prokofiev in Finale solistica, ma nel Quintetto di Dvorak il pianista ha mostrato con chiarezza che i suoi 29 anni sono sintomo di una notevole esperienza musicale. Dei sei, il suo è stato secondo me il Quintetto più riuscito, in cui il pianista è riuscito in maniera più interessante a scambiarsi ruoli con i vari archi, ad emergere quando necessario con suono brillante e chiaro e a tornare in secondo piano lasciando la guida all’arco di turno. Finalmente c’è stato anche modo di sentire quel Quintetto eseguito con un’intenzione stilistica ben chiara ed elaborata, con frequenti cambi di umore, timbro e suono che assecondavano la capricciosa scrittura e ben si adattavano alla varietà arcolaia del quartetto. L’uso del pedale è stato anche qui più calibrato, non un elemento costante, ma un colore prezioso da utilizzare con cura. Sono stato parecchio contento di notare che i miei pareri dal palcoscenico, dove avevo ripreso possesso della mia rumorosa panchetta da voltapagine, sono stati confermati dalla solita paziente e pervicace Sofia, che ha confermato le mie impressioni dalla platea. Insomma una prova so convincing, that you might say,  he already Won the competition! (badum-tsch) [perdoname madre por mi umorismo pessimo]

Il croato Ivan, dopo l’ “entrata con camicia trionfalmente fuori dai panta” [cit. Sofia], ha eseguito il Quintetto di Brahms, scelta coraggiosa operata dal pianista ventenne (come EunSeong Kim ieri). Dei tre della serata la sua è la prova che mi è piaciuta di meno. Nonostante il suono fosse più adatto e plasmabile rispetto al Brahms di EunSeong, anche il Brahms di Ivan è stato interpretato con una certa noncuranza del Quartetto che gli stava intorno. Raro il contatto con i musicisti, sia visivo che musicale, e l’intero Quintetto ha dato l’impressione di essere una lettura molto scolastica e un po’ superficiale, impressione che ha avuto Sofia dal pubblico, ma cui posso dare conferma io stesso dal palco. La parte del Quintetto era stata ben poco aperta, considerando che eccetto un paio di diteggiature nel quarto movimento non ho visto alcuna annotazione e il libro stava aperto con fatica sul leggio. Certo questo dimostra l’incredibile facilità tecnica e abilità di lettura del pianista, che nell’affrontare il leonino Quintetto non ha versato troppe gocce di sudore (ma che si è isolato a tal punto da dimenticarsi anche di darmi dei cenni nei punti in cui voleva che girassi prima). Forse è questo che la giuria ha apprezzato così tanto!

Infatti i tre pianisti su menzionati sono stati anche gli stessi a passare in Finalissima, con un risultato che non ci ha sorpresi troppo (anche se avrei preferito EunSeong al posto di Ivan per quella fantastica Finale solistica). Ad Anna è andato il Premio del Quartetto di Cremona, che consiste in una serie di concerti con il Quartetto col pianista con cui loro si sono trovati meglio nelle due ore e un quarto totali di prova (“more than enough!” ha commentato la sorprendente fanciulla russa). Fra Premio della Junior Jury e Premio del Quartetto, la pianista ha già accumulato un paio di bei concerti, oltre a quelli che le arriveranno come finalistissima del Concorso. Sono molto contento anche per il rubicondo JaeYeon, di cui ho apprezzato la maturità espressiva, e incuriosito dalla prova di Ivan il conquistatore. Domani sera infatti i tre pianisti si sfideranno a colpi di Beethoven (buffa immagine), eseguendo infatti Anna e Ivan il Quinto Concerto e JaeYeon il Quarto.

Siamo così arrivati al penultimo giorno di concorso, ma non disperate: un particolare dietro le quinte vi accompagnerà domani, nell’attesa della Finalissima. Una conversazione di fronte a tre caffè (uno per me, due per lui) con il meraviglioso Giulio Passadori, accordatore, noleggiatore, rivenditore e psicologo pianistico, colonna portante del Concorso Pianistico Ferruccio Busoni.

Diario dal Busoni: Dal pedale alla brace

Con la prova di ieri sera ricomincia, dopo un giorno di pausa, questo diario busoniano. La posizione da cui ho osservato e osserverò le Finali di musica da camera è una posizione privilegiata e scomoda al contempo: quella del voltapagine. L’unica a cui non dovrò voltare sarà Anna Geniushene, che potrò godermi dalla platea, ma per tutti gli altri sarò sul palco a fare esercizi ginnici (voltar pagine sul Quintetto di Dvorak consuma più calorie di quaranta minuti di corsa). Ciò che ho potuto appurare grazie a questa particolare esperienza, è come cambi la prospettiva, come molte percezioni sonore sul palco poi siano diverse nel pubblico e verso la fine della serata avevo ormai imparato a riconoscere le corrispondenze palco-sala (pur dovendomi concentrare sul non perdere una nota delle parti).

Ho così potuto osservare da vicino e riflettere con cura anche in seguito sull’aspetto cameristico dei tre pianisti esibitisi (Dmytro Choni, Xingyu Lu e EunSeong Kim) confrontandomi anche con chi in sala ascoltava [fra cui l’intrepida Sofia che ha preso appunti da fuori per confrontarli con le mie impressioni]. Passiamo dunque alle prove.

Il biondo Dmytro ha suonato il Quintetto di Schumann, forse il quintetto più difficile per l’insieme, riuscendo con un discreto successo ad arrivare alla fine. Dei tre della serata è stato quello che più rivolgeva la sua attenzione agli altri, che più ascoltava e che più è stato incollato al Quartetto di Cremona (e anche, che più ha permesso al Quartetto di rimanere incollato a lui). Tuttavia è stato colpito da un attacco di pedalite acuta, la stessa che ha smussato tutti gli angoli della Sesta di Prokofiev, che nell’ambiente cameristico ha creato dei concreti problemi di limpidezza di tessitura [“Questo a pedalate arriva a Vienna” ha scritto Sofia]. Questo probabilmente era la difficoltà, così spesso sottovalutata, della Finale cameristica: sapersi reinventare come cameristi. E difatti saper abbandonare il pedale abbondante, saper uscire dal proprio mondo e creare musica, saper creare entusiasmo ed energia con un quartetto d’archi, magari anche avendo quell’intuito musicale o lo sguardo esperto che permettono di capire come meglio relazionarsi a quattro strumentisti ad arco. Lo Schumann di Choni non aveva sicuramente falle, era ben studiato e ben eseguito, ma ha peccato proprio nella ricerca di questo aspetto, oltre che ad una cautela veramente eccessiva che sull’altare della prudenza ha sacrificato lo slancio e l’intensità, indebolendo fortemente la resa. Dei tre, dal palco, è stato comunque quello che più mi ha colpito, anche per la lettura attenta della parte.

Migliore come limpidezza l’esecuzione del Quintetto di Dvorak ad opera del nostro cinese fungiforme preferito. Xingyu è partito molto bene, con più moderazione nel pedale e un suono meno pastoso che permetteva meglio agli archi di emergere nelle loro caratteristiche, ma temo abbia scelto il Quintetto sbagliato. Non parlo delle sbavature tecniche o delle note sporche, purtroppo presenti e destabilizzanti, ma del fatto che il pianista cinese non fa dell’abilità timbrica il proprio cavallo di battaglia: potete immaginare la difficoltà con cui è rimasto in sella sui rapidi scarti e gli energici sbuffi di quel cavallo pazzo che è il Quintetto di Dvorak. I momenti di pura magia e suggestione, quelli dal carattere capriccioso e appassionato, quelli intensamente lirici e quelli spavaldamente danzanti sono stati interpretati con suono fin troppo omogeneo o passando dalla monotonia all’aggressività. Più chiuso nel suo mondo rispetto a Dmytro, Xingyu ha dato anche molta meno attenzione al quartetto, non riuscendo soprattutto a creare un dialogo di colori con i diversi colpi d’arco.

Il Quintetto di Brahms del nostro caro Dio Pesshhto ha riconfermato la maestria tecnica del ventenne sudcoreano con le mani d’acciaio, ma anche la scarsa plasmabilità del suo brillante e imponente suono, questa volta per fortuna non peshtato. Con questa difficoltà a scendere dal podio del solista, EunSeong ha dato filo da torcere al Quartetto di Cremona che, arrivato al terzo quintetto di fila, ha dovuto sforzare notevolmente il proprio suono per poter emergere rispetto al roboante pianista. Nonostante non ci siano stati gravi problemi di insieme, quest’indifferenza sonora di EunSeong ha impedito al Quintetto di emergere nel suo essere, in primo luogo, un fare musica insieme, non un concerto per pianoforte e orchestra d’archi. Impressionante, comunque, la cura del pianista nello studio della sua parte (solo uno il dubbio e ben seguiti i fraseggi e tutte le annotazioni presenti sulla sua parte), che però ha peccato di superficialità nell’approccio col quartetto. La dimostrazione che in una prova cameristica sono diverse le richieste, ma è sempre e comunque uno solo l’obiettivo: fare musica. La narcisistica tendenza del solista, che lo porta a volte a sovrapporsi all’autore di cui esegue la musica, è tollerabile nel monologo, ma non nel dialogo.

Ma bisogna anche fare attenzione al peso che la tensione ha per tutti questi pianisti. La vera difficoltà della prova cameristica, infatti, è il riuscire ad uscire dal proprio esclusivo e concentrato mondo per ascoltare veramente gli altri, una sfida incredibile se consideriamo quanto debbano questi musicisti sopravvivere alla tensione da concorso e da diretta streaming. Posso dirvi nei dettagli quante volte le mani di Choni, di Lu e persino dell’inossidabile Kim abbiano tremato, l’istante prima di suonare accordo o appena appoggiata un’ottava, posso contare le volte in cui alcuni gesti nervosi e incontrollati hanno fatto loro sbattere le mani contro il coperchio della tastiera, posso confermare la tensione che provano fin da quando si avvicinano al retro palco e cercano con fatica di confrontarsi con il loro voltapagine per chiarire i punti difficili, quando magari vorrebbero solo isolarsi nella ricerca di una solidità interiore. Non stupisce dunque che i pianisti abbiano scelto di avvolgersi nel mantello del pedale per trovare quell’atmosfera di sicurezza così importante! Sull’aspetto voltapagine lo scettro del più previdente va a Xingyu, l’unico ad aver preparato la parte per facilitarne una voltata, non sapendo chi sarebbe stato il malcapitato voltatore degli infiniti ritornelli e rapide voltate del Quintetto di Dvorak.

Non resto ora che vedere se gli altri tre pianisti del concorso sapranno affrontare con maggior successivo l’impegnativa sfida rappresentata da queste Finali cameristiche!

Diario dal Busoni: La rivincita di Dio Pessshhhto

Si sono concluse le Finali solistiche, ma prima di andare ai risultati, condivido qui i miei personali commenti ai candidati esibitisi.

La prova di ieri ha visto esibirsi EunSeong Kim, Leonora Armellini, Xingyu Lu, JaeYeon Won, Ivan Krpan e Julius Asal.

Come il caro lettore potrà intuire dal titolo vagamente epico, la prova di EunSeong Kim, amorevolmente soprannominato “Dio Pessshhhto” in onore dell’irruente Semifinale solistica, è stata veramente ottima. Sarà stato meno nervoso, sarà stato più in confidenza con la sala e con il pianoforte, sarà che qualuno gli avrà detto di moderare il suono, ma non sembrava nemmeno lo stesso pianista. Il giovane coreano ha saputo sfoggiare la sua indubbia abilità tecnica in un’ottima Toccata Newen di Benzecry, un ben realizzato ed interessante Preludio e Fuga BWV 552 di Bach/Busoni, forse un po’ troppo pedalizzato nella fuga, un’ottima ed estroversa Sonata n. 5 di Skrjabin, su cui ha realizzato alcuni prodigi di tecnica ma anche di interesse musicale, e infine una 111 di Beethoven che ha mostrato una maturità espressiva assolutamente al di sopra di ogni aspettativa, con grande presenza scenica e gesti di “maschia virilità” [cit. da Il Pianoforte di Casella]. Chapeau, Dio Peshto, sono ben felice di ricredermi!

La prova di Leonora Armellini è stata, con tutta l’onestà concessami, una delle migliori prove di Busoni cui abbia assistito nella mia breve ma intensa frequentazione del mio Concorso cittadino. La pianista padovana ha eseguito una Fantasia cromatica e Fuga di Bach/Busoni convincente fin dalle prime note, con suono personale, enorme senso musicale e drammatico e una Fuga realizzata con cura timbrica impressionante. Ha poi proseguito con la 101 di Beethoven, eseguita, soprattutto nel primo movimento, con un carattere un po’ romantico e lirico, che ha svelato momenti di grande poeticità. Tecnicamente praticamente perfetta, anche qui il fugato del quarto movimento è stato un culmine di maestria allo strumento. La Toccata Newen di Benzecry è stata interpretata con meno presenza tecnica e possanza di suono rispetto a quella di EunSeong, ma con più spazio e maggiore ricerca timbrica, rendendola, di fatto, meno muscoli e più raffinatezza. La Sonata n. 2 di Prokofiev ha concluso con energia la prova dimostrando ciò che più mi ha entusiasmato di questa prova: il dimenticare di essere ad un concorso, ascoltare una prova come se fosse un concerto e godermela appieno.

È stato poi il turno di Xingyu Lu, che c’ha offerto uno splendido Le Carillon d’Orléans di Hersant, come brano contemporaneo, proseguendo poi con il Preludio, Fuga e Allegro BWV 998 di Bach/Busoni. Il trittico è stato eseguito bene, ma con una certa impassibilità, un suono un po’ di plastica e una differenziazione delle voci che riguardava solo la dinamica e mai la timbrica [Sofia disse: questo coi timbri ci fa i francobolli]. Anche il corale Wachtet auf, ruft uns die Stimme ha confermato questa impressione, aggiungendo però una buona capacità di creare atmosfera. La 110 di Beethoven è stata eseguita con un bel carattere morbido e chiaro, con buona capacità di cambiare carattere e resa tecnica, ma ancora la stessa impermeabilità di suono e timbro che gli ha reso dura la vita durante la Fuga, nel quale le entrate ben marcate dei soggetti facevano perdere consapevolezza delle altre voci. Dopo una prova di buon livello, ci son rimasto quasi un po’ male a vedere un Petrouchka non all’altezza del resto. Certo, non mancavano anche qui dei momenti molto belli, soprattutto nel secondo movimento, ma il trittico stravinskijano è stato tecnicamente non sempre preciso, timbricamente assai povero e dal fraseggio ogni tanto un po’ incerto. Peccato!

Nel pomeriggio ha continuato poi il coreano JaeYeon Won, che, eccetto per un vuotino prima del finale, ha iniziato la sua prova con un’ottima Sonata HOB XVI:48 di Haydn. Molto meno riuscite le Variazioni su un proprio tema op. 21 n. 1 di Brahms, brano che è stato colpito da numerosi dubbi, vari problemi tecnici, un fraseggio assai poco chiaro e una resa molto debole. È stato bravo il pianista a non farsi demoralizzare e a proseguire con Just as the sun is always di Mason, brano nel quale (come per tutti i contemporanei pomeridiani) mi son trovato a girar le pagine. Con tanto di scherzetto sulla disposizione delle parti. (“Credevi che partissi con tre pagine aperte e invece no!”) Dopo una ottima Aria variata alla maniera italiana BWV 989 di Bach/Busoni, dal carattere secondo me ben centrato e dal bellissimo suono, Won ha eseguito una Sonata n. 7 di Prokofiev che è riuscita nel duro compito di essere interessante. Non sempre precisa, non sempre marcata ritmicamente, ma estremamente personale, segno di una maturazione del brano che fin dalle prime note un po’ più moderate di tempo ha mostrato equilibri sonori e giochi timbrici che rendevano nuova ogni battuta.

È stato poi il turno dell’indubbio talento di Ivan Krpan, che però ha mostrato delle incertezze anche musicali già dal corale Ich ruf zu Dir di Bach/Busoni, concluso in maniera un po’ buttata. Meglio la Sonata n. 11 op. 22 di Beethoven, su cui ha trovato un carattere splendidamente beethoveniano riuscendo ad affrontare con successo tecnico e musicale la sonata, nonostante il suono tendesse a tratti ad irrigidirsi. Ciò che lo ostacolava, sia in Bach/Busoni che in Beethoven, era una certa pesantezza e carenza di controllo della mano sinistra, un po’ caciarona e granitica lì sotto [la mano de La Cosa, l’ha definita Sofia, che ormai mi fornisce suggestive immagini durante tutto il concorso]. Dopo un ben realizzato e squadrato Dramatis Personae di Lenot di cui, confermo, è riuscito a fare quasi tutte le note (not bad), è stato il turno della Sonata n. 2 di Chopin, brano su cui non ho concordato sul carattere pesantissimo e aggressivo, che sarebbe stato a suo agio più in una Sonata di Rachmaninov. La sonata è stata anche colpita da un vuoto molto pesante nel primo movimento, che era caratterizzato da un’instabilità agogica un po’ eccessiva. Questa caratteristica sonora è stata confermata anche da secondo e terzo tempo, mostrando nel celebre crescendo della Marcia Funebre la difficoltà del volitivo croato di dare ampiezza al suo suono, come aveva saputo fare invece EunSeong. Anche il Finale è apparso poco compreso e pesante, facendo rimpiangere quello di Andreatta in Semifinale: un gran peccato dopo un Beethoven ed un Lenot così ottimi e interessanti!

La prova di Asal è stata un piccolo colpo al cuore: il pianista tedesco mi aveva colpito tantissimo in Semifinale per l’incredibile maturità espressiva. Ed infatti anche qui era partito con un ottimo Hypnòs di Bellafronte, mostrando una certa dimestichezza col repertorio contemporaneo. È stato poi il turno della prima Ciaccona di Bach/Busoni del concorso (come solo ora la prima? ma se normalmente su dodici finalisti la portano in cinque/sei? e ora come faccio a soddisfare la mia dose biennale di ciaccone?). Il brano è apparso, mi duole dirlo, sproporzionato per le mani del pianista e forse poco maturo. I momenti poetici erano splendidi, ma le parti tecniche non funzionavano e finivano per innervosirlo e farlo cascare anche nei punti in cui avrebbe potuto far venire i brividi. L’ho visto, prima del brano contemporaneo, quasi in panico al momento di tornare sul palco e infatti Dramatis Personae è stato impreciso e non ha espresso le potenzialità notevoli che questo pianista ha nel repertorio contemporaneo. Sue caratteristiche efficaci, che sono state percepite nella Sonata op. 10 n. 1 e nei Préludes 10, 11, 12 e 13 dall’op. 32 di Rachmaninov, sono la grande capacità di creare immagini e atmosfere e la facilità di espressione, ma ormai il nervosismo aveva avuto la meglio e su Beethoven il suono è risultato eccessivamente spigoloso, mentre su Rachmaninov ottimi momenti si alternavano ad una carenza di controllo e di coerenza sonora. Sommo dolore, seguirò però con grande interesse il percorso di crescità di questo valido musicista.

Giunti dunque al termine, i risultati. Sui dodici sono passati costoro: Choni Dmytro, Geniushene Anna, Kim EunSeong, Krpan Ivan, Lu Xingyu, Won JaeYeon. Non male, devo essere sincero, ma c’è, il lettore lo avrà capito, una grande assente per me fra questi, che avrebbe assolutamente meritato: Leonora Armellini, la cui prova avevo preferito a quelle di molti altri. Mi felicito però della presenza di Dmytro, Anna e EunSeong e, sebbene me lo aspettassi, sono dispiaciuto per l’assenza di Larry Weng e Julius Asal, che sono felice di aver avuto l’opportunità di conoscere e che seguirò da vicino nei prossimi anni. Ma questi sono i concorsi e il giudizio della giuria si rispetta: non che questo però mi impedisca di esprimermi in totale franchezza sulle mie opinioni personali!

La prossima pagina di diario uscirà dopodomani, quest’oggi è giorno un po’ di riposo dopo la tirata busoniana degli ultimi sei giorni, e sarà una pagina particolare, perchè avrò modo di osservare i pianisti a pochi centimetri dal loro naso (sì, mi hanno di nuovo cooptato per voltar le pagine su tutti i Quintetti della Finale di musica da camera). Un’esperienza nuova!

Diario dal Busoni: Al via le Finali solistiche

Con le due prove di ieri, alle 15 e alle 20, è proseguito il Concorso Busoni. Giunti ormai alle Finali solistiche, dai ventiquattro pianisti iniziali siamo arrivati ai dodici finalisti, di cui i primi sei si sono esibiti ieri. Questi sono Larry Weng, Dmytro Choni, HanGon Rhyu, Anna Geniushene, Daniele Paolillo e Madoka Fukami.

Visto che il tempo stringe e a breve si ricomincia, direi di lanciarci subito sui commenti.

L’americano di origini cinesi Larry Weng si è esibito con alti e bassi. Probabilmente per nervosismo la sua prova è stata purtroppo molto sporca tecnicamente, partendo da una Toccata, Adagio e Fuga di Bach/Busoni che è stata affrontata con fatica. Molto meglio la Sonata n. 30 op. 109 di Beethoven, in cui il pianista ha dato prova di avere moltissime idee e di saper costruire frasi magnifiche. Belli il suono ed il carattere, con momenti di vera poeticità nell’Andante cantabile e molto espressivo conclusivo. Buona la sua interpretazione del brano contemporaneodi Mason Just as the sun is always, che ha beneficiato della chiarezza e della luminosità di suono tipiche ti questo pianista. Interessante la Sonata n. 7 di Prokofiev, tecnicamente non sempre ben controllata, ma caratterizzata ad una notevole chiarezza formale, una concezione orchestrale delle linee e dei fraseggi (sempre ben condotti anche quando più spezzettati) e con un Precipitato finale non troppo veloce, ma con un vivace impulso ritmico. Molto americano.

Migliore la prova di Dmytro Choni, che da un punto di vista tecnico è stato quasi impeccabile. Dopo un bel corale Nun komm’ der Heiden Heiland di Bach/Busoni, il pianista ucraino ha proseguito con una Sonata HOB XVI:31 n. 46 di Haydn eseguita molto bene, ma dal suono un po’ pesante e un po’ carente nei guizzi divertenti. Molto bello invece, proprio queste caratteristiche, l’intenso secondo movimento. Ci siamo poi confrontati con un altro brano contemporaneo, che capiterà di ascoltare diverse volte in queste Finali solistiche: la Toccata Newen di Benzecry. Vero brano di virtuosismo, la Toccata è stata interpretata da Dmytro con tante note, molto veloci molto ben suonate. Sfumature timbriche, interesse di fraseggio e consapevolezza degli elementi sono stati abbandonati per dare al brano un carattere di percussivo primitivismo, indubbiamente efficace! Bene poi l’inizio di Les cloches de Geneve di Liszt, che però è sfuggito di mano nei più concitati momenti centrali ed è terminato senza riuscire a recuperare quel carattere elegiaco con cui Dmytro magnificamente aveva iniziato. Molto buona la Sonata n. 6 di Prokofiev, tecnicamente notevolissima e dal bel suono, anche se, devo essere sincero, un po’ noiosa, forse per l’eccessivo carattere romantico, il suono rotondo anche dove poteva essere più sferzante, il pedale un po’ pesante e, in generale, un’interpretazione che non ha portato grande motivo di interesse su una Sonata già molto eseguita e nota. Indubbiamente solido.

Il giovane HanGon Rhyu, appena diciottenne, è partito con un ottimo corale Ich ruf zu Dir Herr Jesu Christ di Bach/Busoni, dimostrando come il carattere un po’ statico e meditativo del corale fosse quello in cui più si trova a suo agio. Del brano contemporaneo posso dire un po’ poco, essendo io stato cooptato come voltapagine (guarda mamma, sono in diretta!). Ho potuto però osservare lo scrupolo con cui ha realizzato i difficili ed intricati passaggi, ma anche un certo schematismo che non ha aiutato il già squadrato Dramatis Personae di Lenot. Buona la Sonata n. 31 op. 110 di Beethoven, soprattutto nel primo movimento, dimostrando ancora il proprio carattere adatto alla dolcezza e alla morbidezza di attacco, con un tono mite che purtroppo non riusciva a scalzarsi di dosso nemmeno nei più vivaci momenti. Nonostante la buona cura, l’affermazione vitale nella conclusiva fuga è quindi rimasto molto nascosto. Buono il Carnaval di Schumann, anche se con qualche nota svizzera, ma insomma, da quanto detto finora si può desumere il carattere mancato anche del frizzante brano schumanniano. Particolare come questo ’99 non suoni affatto come un ’99.

La sera la prova è proseguita con Anna Geniushene, che si è confermata nella mia opinione come una delle migliori finora. Bellissimo il suo corale Ich ruf zu Dir Herr Jesu Christ, con grande cura e intima espressione, soprattutto nei due crescendo da brividi. Molto buono anche il carattere della Sonata HOB XVI:31 n. 46 di Haydn, che ha beneficiato del suono un po’ secco e ligneo tipico di questa pianista. Non sono mancati i guizzi ed il sincero divertimento per la sorpresa, dandone quindi un’interpretazione diversa e a mio avviso più funzionante rispetto a Dmytro. Meno riuscito Just as the sun is always di Mason, brano di cui la pianista russa non sembrava molto convinta, ma diverso il discorso per l’imponente Sonata n. 8 di Prokofiev (sì, in un giorno ci siamo fatti tutte e tre le Sonate di Guerra di Prok). Ho sentito voci discordanti, c’è chi preferisce Prokofiev più limpido e chiaro, come quello di Larry, c’è chi lo preferisce meno assordante: onestamente io l’ho adorato. La sua Ottava è stata variegata, ricca di momenti interessanti, non mi ha mai lasciato andare. Qualche imprecisione tecnica e qualche momento di maggiore caoticità (soprattutto nel finale purtroppo un po’ buttato) non le hanno evitato di essere l’unica finora ad essere riuscita a creare grandi tensioni, a far passare con maestria l’intensità da una frase all’altra e ad avere un respiro musicale tale da sapere sempre quando e come interrompere una sezione per dare spazio ad un’altra. Il suono tagliente e squadrato non le ha impedito di alternare ai momenti più percussivi quel mondo fantastico e surreale che è così tipico di questa Sonata, riuscendo a creare atmosfere sonore di grande suggestione, anche grazie ad una cura timbrica veramente ottima. Insomma, ho apprezzato, decisamente.

Meno interessante la prova di Paolillo, invece, devo ammetterlo. Confermando le impressioni avute in semifinale, il pianista barese ha faticato ad utilizzare l’incredibile suono che si ritrova per fini musicali che trascendessero il suo splendido cantabile, creando una prova che nonostante il repertorio è risultata molto monotona. Buone alcune cose della Didone Abbandonata di Clementi, interpretata però con gusto tardo romantico un po’ eccessivo; tecnicamente imprecisa ed immatura la Sonata in si minore di Liszt e soprattutto buttata la Toccata Newen di Benzecry. Ogni brano era immerso in un pedale lunghissimo un po’ di comodo e la tenuta del tempo è stata spesso instabile. Non sempre un suono bello, profondo e scuro basta a tenere in piedi un’interpretazione, purtroppo!

A continuare sul carattere monotono (per misurare i gradi di noia bisognava osservare la frequenza dello sventolamento Jorge Luis Prats) c’ha pensato la prova di Madoka Fukami, che nonostante un’ottima resa del brano contemporaneo Vexierbilder II di Pesson, eseguito a memoria (impressive!). La sua (troppo?) lunga prova è proseguita con una Sonata HOB XVI:50 ben realizzata e condotta, dal timbro chiaro ed equilibrato. Anche Miroirs di Ravel è stato ben confezionato, ma, a parte uno splendido Oiseaux tristes, la raccolta è apparsa molto distante, con poco carattere e senza concreti punti di interesse timbrico: insomma, per l’appunto molto confezionato. Ho apprezzato comunque la precisione e lo scrupolo, caratteristiche con cui è proseguito il terzo Ich ruf zu Dir di Bach/Busoni del giorno, che ha però sofferto molto il confronto con l’intima intensità di Anna e l’ampia cantabilità di Daniele. La pianista giapponese è invece un po’ crollata nella Sonata n. 5 di Skrjabin, che, oltre all’imprecisione tecnica, è tornata ad un carattere di monotonia. It’s roof time for De Maria, yeahhh! [cit. Sofia].

Insomma, siamo riemersi dal Conservatorio che erano le 23.40 quasi, stanchi, vagamente a forma di poltrona, ma comunque contenti. E chiudere in bellezza la serata, ci ha accolti una Anna Geniushene sufficientemente rilassata e sufficientemente brilla, mentre passeggiava ondeggiante per Piazza Domenicani con il consorte.

Bei momenti e buffi ricordi di questa splendida Sessantunesima Edizione del Concorso Busoni!

Diario dal Busoni: I primi risultati

Eccoci qui, il 26 mattina, dopo che sono stati annunciati i 12 Finalisti del Busoni.

Prima di inoltrarci nel commento della cosa, tuttavia, vorrei terminare il resoconto dei pianisti che hanno suonato ieri, per finire di dare una panoramica di tutti i concorrenti del Concorso. Si sono esibiti infatti i cinque ultimi concorrenti, Ivan Krpan, Julian Trevelyan, Julius Asal, Yui Fushiki e Franck Laurent-Grandpré.

La prova mattutina è stata quella con l’età media più bassa (due ’97 e un ’98). Il croato Ivan Krpan è stato il primo dei ’97 ad esibirsi e ha fin da subito dato sfoggio del suo ottimo suono sulla Sonatina seconda di Busoni, brano ben studiato e con alcuni momenti molto belli, ma dall’interpretazione un po’ troppo romanticosa. Meglio le Variazioni su un tema di Schumann di Brahms e la Dante di Liszt, in cui il pianista ha dato sfoggio di ottima padronanza tecnica, buona varietà di carattere e bellissimo suono, nonostante una tendenza molto frequente a perdere di vista gli elementi nel caos del momento. La chiarezza della tessitura, il fraseggio delle voci e la direzione sono infatti risultate un po’ deboli, ma eccetto questo, si è trattato di una buona prova.

L’inglese Julian Trevelyan, il ’98, ha dato l’impressione di avere ancora molto da maturare, soprattutto tecnicamente. Sulla Sonata di Haydn e alcuni momenti di Gaspard de la Nuit (soprattutto Ondine), ha mostrato di avere dell’indubbio talento, buone idee musicali e una certa raffinatezza, ma nel complesso entrambi i brani hanno mostrato troppe imprecisioni tecniche, giungendo in Scarbo a momenti di totale caos. Forse è un po’ troppo ambizioso portare l’imponente trittico ravelliano, ma l’ambizione è proseguita con la scelta di suonare la difficile e pesante (ma meravigliosa) Toccata di Busoni, brano per cui sono richieste mani d’acciaio e profondità di sguardo. Probabilmente già debilitato da Scarbo, fin dal Preludio della Toccata il brano è apparso purtroppo tecnicamente non solido. Il talento del ragazzo (che è anche violinista e tenore a quanto pare, caspita) è però indubbio, quindi mi auguro di rivederlo in futuro.

Meravigliosa è stata invece la prova del tedesco Julius Asal che ha dato prova di incredibile maturità espressiva e saggezza nella scelta del programma. Certo, la scelta di iniziale con la Suite op. 14 di Bartók è al limite del masochismo, considerando quanto quel brano lasci l’interprete in mutande, e proprio quella Suite è stata ciò che ho meno apprezzato. Dalla Sonata D664 di Schubert, tuttavia, si è percepito l’incredibile sguardo poetico di questo ’97, che ha saputo dare una effusione lirica sempre intensa e contenuta, ben curando i contrasti nella Sonata, nonostante qualche piccola sporcatura nei passaggi di ottave e salti. Il secondo movimento bastava da solo a dargli un parere favorevole, ma come se non bastasse ha fatto seguire un meraviglioso Indianisches Tagebuch di Busoni, dimostrando grande piglio, ricerca timbrica e la capacità di produrre un’ottima quantità di suono dallo strumento, nonostante due sue braccia facciano a malapena una delle mie (e non che io sia un muscoloso energumeno). Decisamente una delle migliori e più godute prove dell’intero Busoni fino ad adesso.

Pomeriggio è stato un po’ meno soddisfacente. La giapponese Yui Fushiki ha fatto una buona prova, offrendo soprattutto un Carnaval di ottima fattura tecnica e di carattere, con ottimi gesti e un suono veramente convincente. Peccato per alcune imprecisioni e soprattutto per la minore resa data nel corale di Bach/Busoni Nun komm’ den Heiden Heiland e nelle (rullo di tamburi) Variazioni su un preludio di Chopin di Busoni (eddaje non potevano mancare nell’ultima prova del concorso a darmi il loro estremo saluto: ciao variazioni, ciao, vi ho voluto tanto bene, ora non ci vediamo più per un anno, pls). Ho apprezzato meno il francese Franck Laurent-Grandré, che forse per tensione ha perso molto il controllo nel Liebestod di Wagner/Liszt, ha recuperato un po’ con una buona e vitale Sonata K 332 di Mozart, è tornato un po’ giù con la Sonatina in diem nativitatis Christi di Busoni, poco chiara nella sua struttura, si è ripreso con l’inizio de La valse di Ravel, per poi tirare i remi in barca e buttare via mezzo finale. Una prova altalenante che però ha mostrato dei bei momenti.

La vera protagonista della prova pomeridiana, tuttavia, è stata La Vecchia col Sacchetto®. Capita spesso di vedere personaggi particolari in sala, l’altro giorno un tipo si è addormentato e ha iniziato a mugugnare nel sonno, ma questa è stata pura poesia. Nei momenti di maggiore intensità espressiva o raffinatezza timbrica, soprattutto del povero Franck, costei armeggiava con certosina cura in un rumoroso sacchetto di plastica per estrarre una in teoria proibita bottiglia d’acqua, svitava lentamente il tappo, beveva, riponeva la bottiglia nel sacchetto assicurandosi di metterci il maggior tempo possibile e riprendeva a respirare rumorosamente. Nonostante ci fossero almeno cinque paia d’occhi puntati su di lei, ogniqualvolta ripeteva questa chirurgica operazione di infastidimento collettivo, La Vecchia col Sacchetto® non percepiva pressione alcuna. Anzi, giunta ad un certo momento della prova, non paga di soffiarsi il naso per fortuna non troppo rumorosamente, ha lentamente armeggiato nella sua bianca borsa, per estrarre poi un secondo fazzoletto usato. Avesse estratto un cheeseburger l’avrei premiata per l’intima coerenza stilistica. Il mio Premio Busoni 2017, in ogni caso, va a lei.

Parlando di Premio Busoni, giungiamo dunque finalmente ai risultati! Come probabilmente saprete questa è la lista dei Finalisti: Weng Larry, Choni Dmytro, Rhyu HanGon, Geniushene Anna, Paolillo Daniele, Fukami Madoka, Kim Eunseong, Armellini Leonora, Lu Xingyu, Won Jaeyeon, Krpan Ivan, Asal Julius.

Beh, devo ammettere di essere molto d’accordo su questi risultati. Sono dispiaciuto per l’assenza di Yuka Morishige, Maddalena Giacopuzzi e Yui Fushiki, che avrei preferito ad alcuni altri, ma sono veramente contento che Larry Weng, Dmytro Choni, Anna Geniushene (che ha anche vinto il premio della Junior Jury), Leonora Armellini e Julius Asal siano passati. Questi ultimi tre sono stati tra l’altro i miei preferiti del concorso finora. Per questa prima prova la giuria ha compiuto una scelta che reputo veramente ottima, tenendo un livello medio veramente alto. Solo, sono un po’ perplesso dalla presenza del mio amato Pessshto-God Eunseong Kim, ma vedremo se in seconda prova sarà capace di unire una vena di poesia ed espressività allo tsunami sonoro con cui ha inondato la Sala Michelangeli. Mio caro Henry, mi dispiace per le tue corde.

Vedremo ora, questo pomeriggio e domani, come si svolgerano le Finali solistiche, con la speranza di poter trovare ancora così tanta bella musica.